Akira Kurosawa: una de los directores más importantes de la historia del cine cuya obra ha influenciado notablemente a cineastas de diferentes generaciones y nacionalidades.
Akira Kurosawa (1910-1998) fue uno de los directores de cine más influyentes y respetados de la historia del cine. Su carrera abarca más de cinco décadas y su legado perdura en la industria cinematográfica. El director fue pionero en la modernización del cine japonés, y su estilo narrativo único y su enfoque en temas universales lo convirtieron en un referente del cine japonés en todo el mundo.
Akira Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910 en lo que hoy es el distrito de Shinagawa. Durante su juventud estudió pintura y en 1936, se unió a PCL Film Productions (ahora Toho) donde trabajó con el director Kajiro Yamamoto, quien fue su mentor y guìa durante sus primeros años dentro de la industria cinematográfica. Durante más de seis años Kurosawa realizó – entre otras- tareas de asistente de direcciòn, guionista y escenògrafo hasta su debut como director en 1943.
A lo largo de su vida Kurosawa filmó treinta películas en medio siglo, desde Sugata Sanshirō (La leyenda del gran judo, 1943) hasta Māda dayo (Todavía no, 1993), y recibió importantes premios en los festivales de cine más destacados de todo el mundo que lo llevaron a trascender las fronteras de oriente y consagrarse como una de las figuras màs destacadas del cine del siglo XX.
Primera etapa: los comienzos de Akira Kurosawa como director
Kurosawa debutó como director en 1943, con Sanshirō Sugata, también conocida como La Leyenda del Gran Judo. La trama de la película se desarrolla en el Japón de 1882, durante la Era Meiji. La historia sigue a Sanshirō Sugata, un joven algo rústico que desea aprender jiu-jitsu. Sanshirō acude al dojo del maestro Shogoro Yano, donde comienza su entrenamiento en artes marciales.
Primeros esbozos de un estilo cinematográfico ingualable
La película presenta elementos que se convertirían en rasgos distintivos del estilo cinematográfico de Kurosawa: enfoque en la Ética y el Honor, en el film vemos la evolución del personaje principal hacia la comprensión de los valores éticos y el sentido del honor en las artes marciales. Lucha contra la adversidad, la película aborda la lucha personal de Sanshirō contra adversarios cada vez más difíciles. Este tema de superar desafíos y adversidades es recurrente en muchas películas posteriores de Kurosawa. Exploración de la Psicología Humana, si bien Sanshirō Sugata se centra en las artes marciales, también ofrece una exploración de la psicología y el desarrollo del personaje. Esto se convirtió en una característica constante en las obras de Kurosawa. Narración Visual Impactante, Kurosawa ya muestra en su primer film su habilidad para contar historias de manera visualmente impactante. A través de la cinematografía y la dirección de escena, establece un estilo que se convertiría en su firma y que iría depurando a lo largo de su carrera: composiciòn pictòrica de los planos, uso expresivo de las luces y sombras, y luego del color, profundidad de campo y uso narrativo de los movimientos de càmara.
Censura y cine de propaganda durante la Segunda Guerra
Sus comienzos en el cine se vieron signados por el contexto histórico de la época, durante el transcurso de la Segunda Guerra, en Japón, al igual que en otros países, el cine fue utilizado como medio de propaganda bélica, muchos directores sufrieron censura en sus obras y para poder trabajar se vieron obligados en muchos casos a realizar películas que exaltaran los valores patrióticos y el nacionalismo. Bajo estas circunstancias el director filmó en 1944 La más bella (Ichiban utskushika) un film que trataba sobre unas mujeres que trabajaban en una fábrica militar, y en 1945 la segunda parte de su primer film, Sanshiro Sugata, que se llamó La nueva leyenda del gran Judo ( Zoku sugata sanshiro). El director ha afirmado que por presión de las autoridades gubernamentales debió incluir elementos nacionalistas en sus films de esta época, para evitar ser censurado y poder seguir dirigiendo durante los años que duró en conflicto bélico.
La posguerra y el éxito internacional de Rashomon
Finalizada la guerra Kurosawa se dedicó a realizar films en los cuales sus personajes se caracterizaban por su heroicidad, valentía y ética moral, en los cuales el director buscaba transmitir cierta esperanza a la población tras la desolación que azotó al país luego de la derrota en el conflicto bélico y los bombardeos de Nagasaki e Hiroshima que dejaron a la nación sumida en una profunda crisis económica y social durante varios años.
Entre los films más importantes de este período se destacan No añoro mi juventud (1946) una película ambientada en la década del 30 en la que el director narra la historia de Yukie, la hija de un profesor universitario, que queda profundamente afectada cuando su padre es despedido de su cargo debido a sus creencias políticas. En el film Kurosawa realiza una crítica crítica al gobierno anterior, responsable de haber llevado a Japón a la ruina. En Un domingo maravilloso (1947), el director busca transmitir un mensaje de optimismo a la audiencia a partir de la narración de una historia de amor en tiempos de posguerra, que muestra a una joven pareja de enamorados pasando un domingo juntos e intentando disfrutar a pesar de las dificultades del contexto en que viven.
Toshiro Mifune: el actor que protagonizó las obras más emblemáticas de Akira Kurosawa
En 1948 Kurosawa rueda El ángel ebrio, uno de los mayores éxitos de su carrera y la primera de sus colaboraciones con el actor Toshiro Mifune, quien sería protagonista de muchos de los films posteriores del director, incluidas sus obras más destacadas: Rashomon, Los 7 samuráis y Yojimbo. El film, considerado como una de las obras más reflexivas del director, narra la relación entre un médico alcohólico que en el contexto de la posguerra se dedica a atender pacientes en un barrio periférico de Tokio y un joven gángster enfermo de tuberculosis que acude a su consulta para que le curen una herida de bala. En 1949 con Un perro rabioso, el director incursiona en el género del thriller y el cine negro, en un film ambientado en la posguerra que trata sobre un joven detective de Tokio, interpretado por Toshiro Mifune, al que le roban su arma y para encontrarla decide sumergirse en las profundidades del ambiente criminal local.
En 1950 Kurosawa filma Rashomón, la obra cúlmine de su carrera, que lo consagró internacionalmente y por la cual ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia y el Premio a Mejor Película en Lengua Extranjera en la 24ª edición de los Premios de la Academia, siendo el primer film japonés en obtener el galardón.
Rashomón y el quiebre de la estructura narrativa
Basada en el cuento Rashōmon (1915) de Ryūnosuke Akutagawa combinado con una una historia corta titulada del mismo autor titulada En el bosque (1921-22),la pelìcula relata el asesinato de un samurai y la violación de su esposa desde varios puntos de vista diferentes. Rashōmon está ambientada en un Kioto devastado por la guerra de finales del periodo Heian (794-1185), el tìtulo hace referencia al nombre de las puertas de la ciudad. La historia presenta a un monje viajero y un vendedor de leña que cuentan el interrogatorio del que fueron testigos en un puesto de policía, en el cual los oficiales tomaban testimonio por el caso de asesinato a un samurai a las tres personas involucradas en el hecho: al bandido implicado en el incidente, a la esposa del samurai y al fantasma del samurai que habla por medio de una sacerdotisa. Cada uno da una versiòn diferente de lo sucedido lo que lleva a que sea imposible dilucidar la verdad. Esta estructura narrativa se convirtió en un concepto ampliamente utilizado en el cine y la literatura para abordar la relatividad de la verdad y la subjetividad de la percepción. El término se implementó posteriormente en la psicología, para definir un fenómeno producido por la subjetividad al que se denominó Efecto Rashomon, que se registra a la hora de contar una misma historia: “según el efecto Rashomon, si diversos individuos que han vivido una misma situación cuentan su versión, ninguna coincidirá en su totalidad pero todas serán razonablemente veraces, y por tanto ninguna será falsa.” ¹
Las décadas del 50 y 60, la consolidación de su carrera
Tras el éxito de Rashomón, Kurosawa filmó una serie de obras emblemáticas durante los años 50 y 60 a través de las cuales el director consolidó su estilo y logró consagrarse internacionalmente. Muchas de ellas han dejado huellas indelebles en la historia de la cinematografía mundial e influido en las posteriores generaciones de cineastas. A continuación un listado de algunos de sus films más memorables:
El idiota (1951): el film es una adaptación de la novela homónima escrita por Fiódor Dostoievski en 1869、en el cual kurosawa traslada la acción a la segunda posguerra. La trama se centra en el personaje de Kinji Kameda, un veterano de guerra japonés que se sufre crisis epilépticas debido a sus experiencias traumáticas durante la guerra. Al terminar el conflicto bélico Kinji vaja a la isla nevada de Hokkaido, donde se ve envuelto en un triángulo amoroso con su mejor amigo y una hermosa mujer llamada Taeko Nasu. El abuso, el amor, la envidia y sus consecuencias son algunos de los temas centrales de la trama del film.
Vivir (1952): un film conmovedor en el cual Kurosawa critica duramente la burocracia estatal. Narra la historia de un empleado pùblico enfermo de càncer que busca darle un sentido a su existencia en el poco tiempo que le queda de vida, llevando adelante una lucha denodada contra el sistema burocràtico para lograr que se concrete la construcciòn de un parque para niños.
Los siete samurais: la representación del japón feudal
Los Siete Samuráis (1954): uno de los clásicos del cine japonés, un film épico que se convirtió en un hito del cine. La película está ambientada en el Japón feudal del siglo XVI y narra la historia de una aldea de campesinos que sufre repetidos ataques y saqueos por parte de un grupo de bandidos. Para protegerse, los aldeanos contratan a siete samuráis, quienes además de defender a los aldeanos les enseñaran a luchar para que puedan valerse por ellos mismos. El film cuenta también con la actuación de takashi Shimura que trabajó en anteriores films de kurosawa como Vivir y El ángel ebrio y con Toshirō Mifune quien interpreta en esta ocasión a un joven de origen campesino que desea convertirse en samurái. El film aborda diversos temas como la Lealtad y el honor, mostrando como los samuráis arriesgan sus vidas por un sentido de honor y deber hacia aquellos a quienes sirven y la idea de sacrificio personal en pos del bien común. El film refleja a su vez un período de cambio en Japón, cuando la sociedad se estaba modernizando y dejando atrás la era feudal. Este tema se refleja en la lucha de los campesinos por proteger sus cosechas y su futuro.
Kurosawa adapta a Shakespeare
Trono de Sangre (1957): Una adaptación de Macbeth de William Shakespeare ambientada en el Japón feudal que explora temas como la ambición desmedida, la superstición y las encrucijadas a las que puede conducirnos conocer nuestro destino. La historia gira en torno a dos destacados generales samuráis, Taketori Washizu y Yoshaki Miki, quienes regresan de una batalla y se encuentran con una hechicera que profetiza el futuro de Washizu diciéndole que se convertirá en Señor del Castillo del Norte y, finalmente, en el gobernante supremo. Intrigado por la profecía y alentado por su esposa, Lady Asaji, Washizu comienza a maquinar para lograr el poder. La ambición y la traición terminarán desencadenando una serie de eventos trágicos.
Cuatro películas icónicas de Akira Kurosawa protagonizadas por toshiro Mifune
La fortaleza escondida (1958): una película de aventuras que se desarrolla en el Japón feudal del siglo XVI y gira en torno a dos campesinos, Matashichi y Tahei, que huyen de un conflicto bélico y, en su camino de regreso a su tierra, se encuentran con un cargamento de oro. La película ganó el Oso de Plata al Mejor Director y del Premio FIPRESCI en el Festival de Berlín.
Yojimbo (El mercenario, 1961): el film transcurre en el siglo XIX, en un Japón todavía feudal y tiene como protagonista a un samurái (Toshiro Mifune) que llega a un poblado donde dos bandas de mercenarios luchan entre sí por el control del territorio y decide no tomar partido por ninguno de los dos bandos para sacar provecho del conflicto.
Sanjuro (1962): Ambientada en la era de Tokugawa (conocida también como período Edo, etapa histórica japonesa que abarca desde los años 1603 a 1868), cuenta la historia de un grupo de nueve jóvenes samuráis decididos a acabar con la corrupción que asola a su clan. Su objetivo es lograr justicia y poner fin a la corrupción predominante en su sociedad.
Barbarroja (1965): Tras volver a su pueblo natal luego de estudiar medicina un joven médico es destinado a trabajar en un entorno rural, donde debe lidiar con las dificultades y desafíos de la medicina en un lugar remoto y poco desarrollado. Tras su encuentro con el doctor Barbarroja, interpretado por Toshiro Mifune, un médico experimentado y rudo que trabaja en un hospital para pacientes indigentes, Yasumoto cambia su actitud inicialmente arrogante y ambiciosa a medida que aprende valiosas lecciones sobre la verdadera práctica de la medicina, la compasión y la importancia de ayudar a los más necesitados. El film due la última colaboración entre el director y Toshiro Mifune.
Décadas del 70 al 90 una etapa menos prolífica pero con importantes títulos
Desde la década de 1970 las producciones de Kurosawa comenzaron a ser cada vez más espaciadas y sus films ya no contaban con el acompañamiento masivo de la audiencia. En este contexto el director realiza en 1975 Dersu Uzala (El cazador), que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera, lo cual marcó un resurgimiento en su carrera. El film fue rodado con la financiación de Mosfilm, una compañía cinematográfica rusa, y es la adaptación de un clásico de la literatura rusa, Dersu Uzala de Vladimir Arseniev (1921). Kurosawa era un gran admirador de la literatura de este país, y fundamentalmente de Dostoyevski y hacía tiempo que quería llevar la la novela de Arseniev a la pantalla grande. El film se centra en la amistad entre un explorador ruso, el capitán Vladimir Arseniev, y un cazador nativo siberiano llamado Dersu Uzala. La historia se desarrolla en el extremo oriente de Siberia a principios del siglo XX. Dersu Uzala es un experimentado cazador y guía que ayuda al capitán Arseniev y su equipo en su exploración de la región. La película muestra la relación entre estos dos hombres de diferentes culturas mientras enfrentan los desafíos de la naturaleza, el clima extremo y los peligros de la taiga siberiana.
En 1985 Kurosawa filmó Ran, una película que tuvo un gran éxito de taquilla y fue muy elogiada por la crítica, en la que adaptó libremente El rey Lear, de Shakespeare, ambientando la acción en el Japón medieval del siglo XVI, y gira en torno a un poderoso señor feudal, Hidetora, que decide abdicar y dividir sus dominios entre sus tres hijos. El hijo menor no está de acuerdo con la decisión de su padre, considerándolo loco, lo que desencadena una cadena de acontecimientos trágicos. El film se destacó fundamentalmente por la belleza de sus imágenes y el uso expresivo del color.
En 1990 el cineasta dirige una de sus obras más emblemáticas: Sueños (Yume), una película única en la filmografía de Kurosawa, ya que está compuesta por ocho segmentos independientes, cada uno basado en los sueños del propio director, en los que realiza un reflexión personal sobre temas como la naturaleza, la humanidad y la relación entre el hombre y su entorno. El film fue elogiado por su belleza visual y su poderosa narrativa y ha quedado en la historia como una de las obras más memorables de la cinematografía del director nipón.
En 1991 el cineasta realiza Rapsodia en Agosto, un film conmovedor que rememora los eventos devastadores ocurridos en Nagasaki durante la Segunda Guerra a través de la mirada de una sobreviviente y sus 4 nietos. El film está protagonizado por Sachiko Murase y Richard Gere, que interpreta al sobrino americano de una mujer que en su 80 aniversario recuerda la historia de su familia y de la sociedad japonesa de la época en que ocurrió la tragedia .
Madadayo (1993) es la última obra dirigida por Kurosawa antes de su fallecimiento. La trama se centra en la vida de un profesor jubilado que se enfrenta a la vejez en el Tokio de la posguerra. La película es una obra conmovedora que reflexiona sobre la transición de la vida y la forma en que una persona puede mantener su espíritu joven a pesar de los desafíos que la vejez presenta. Madadayo es un retrato conmovedor y poético de la vida en la última etapa, una obra que celebra la humanidad y la resistencia ante el paso del tiempo y una despedida a lo grande de uno de los más importantes cineastas de todos los tiempos.
Características del Cine de Akira Kurosawa
La obra de Akira Kurosawa se distingue por una serie de constantes temàticas y narrativas que han llevado a que sea considerado una de las figuras màs destacadas de la cinematografìa del siglo XX Una de ls caracterìsticas distintivas de su cine es la exploración de la psicología humana, sus películas profundizan en la psicología de los personajes, mostrando sus dilemas morales y emocionales, retratando las complejidades de la condición humana. La ética y la moral son temas recurrentes en las películas de Kurosawa. Sus historias a menudo plantean cuestiones profundas sobre lo que es correcto e incorrecto, y cómo las decisiones de los personajes impactan en sus vidas y en la sociedad en general. En su cine puede verse claramente la influencia de la cultura occidental, esta influencia se refleja en su estilo cinematográfico, que incorpora elementos narrativos y visuales occidentales, creando un puente entre Oriente y Occidente en sus películas.
A lo largo de su carrera Kurosawa dirigió películas que abarcan desde el cine épico histórico hasta el cine noir y el cine de samuráis. Su versatilidad en la dirección le permitió experimentar con diferentes estilos y géneros y crear historias conmovedoras y atemporales, cuyos protagonistas se destacaban, en muchos de sus obras, por su coraje y su profundo sentido de la justicia, creando héroes que se sobreponìan a las adversidades, en el contexto de un paìs devastado por la derrota en la segunda guerra, en el cual el pùblico estaba àvido de historias que le dieran esperanza a sus vidas.
Estilo visual de sus films
La composición de los planos y las escenas en las películas de Akira Kurosawa son una parte fundamental de su estilo cinematográfico distintivo. Entre sus caracterìsticas màs sobresalientes se destacan:
El uso de la naturaleza y el entorno: Kurosawa era conocido por incorporar elementos naturales en sus películas, como la lluvia o el viento. Utilizaba la naturaleza como un reflejo de las emociones de los personajes y para crear atmósferas poderosas. Por ejemplo, la lluvia en la escena inicial de “Los Siete Samuráis” establece un tono sombrío y melancólico.
Encuadres meticulosos: Kurosawa era un perfeccionista en la composición de sus planos. Sus cuadros estaban cuidadosamente diseñados para transmitir significado y simbolismo. Sus encuadres a menudo se caracterizaban por ser simétricos y equilibrados, lo que añadía profundidad y belleza visual a sus películas.
Movimiento de cámara dinámico: El cine de Kurosawa se distingue por su uso inteligente de la cámara en movimiento. Utilizaba movimientos de cámara suaves y fluidos para seguir la acción y resaltar la intensidad de las escenas de acción. Su capacidad para narrar visualmente a través del movimiento de la cámara era excepcional.
Escenas de combate coreografiadas: Kurosawa fue pionero en la representación de escenas de combate en el cine japonés. Sus secuencias de acción estaban meticulosamente coreografiadas y filmadas para crear un sentido de realismo y tensión. Esto se puede ver en películas como “Trono de Sangre” y “Los Siete Samuráis”.
Narración visual profunda: Kurosawa era un maestro en contar historias a través de la composición visual. Sus películas a menudo presentan imágenes poderosas que complementan y refuerzan la narrativa. Cada plano era una parte integral de la historia que estaba contando.
Uso expresivo de la luz y el color: influenciado por la pintura japonesa y por artistas occidentales como Van Gogh, Cézanne y Chagall, Kurosawa utiliza las luces y sombras en sus films en blanco y negro, y luego los colores en su cine a color, para darle mayor profundidad y expresividad a sus planos.
La composición de planos y escenas en las películas de Akira Kurosawa es una de las razones por las cuales es considerado uno de los directores más influyentes de la historia del cine quien contribuyó a la creación de películas visualmente impactantes y narrativamente ricas que continúan siendo admiradas en todo el mundo.
